Theory Now. Journal of Literature, Critique, and Thought

Ficciones fronterizas: literatura, narración y la política de la frontera

Mark Devenney — 2026-07-27

«Vamos. Solo cruza» (Morrison 3). La invitación que Sethe le hace a Paul D en Beloved de Toni Morrison parece intrascendente. Cuando Paul D llega a 124 Bluestone Road tras años de vagabundeo, atraviesa lo que parece ser un umbral ordinario. Simplemente está entrando a una casa. La novela no se abre en una frontera, un puesto de control, un aeropuerto, un centro de detención o un límite nacional, sino con esta casa. Una casa embrujada por los muertos. Una casa saturada de recuerdos de la esclavitud. Una casa en la que las distinciones entre pasado y presente, vida y muerte, memoria e historia, se derrumban una y otra vez. Sin embargo, al entrar se encuentra con «un charco de luz roja y ondulante» que lo detiene en seco (10).

El trabajo epistémico de fronteras más allá del Estado: una lectura de Christa Wolf

Charlotte Mencke — 2026-07-27

Este ensayo analiza el papel de la literatura en la delimitación epistémica de la República Democrática Alemana, centrándose específicamente en Christa Wolf. Basándose en enfoques de los estudios críticos sobre fronteras y la teoría literaria, el artículo demuestra el papel indispensable de la literatura en la delimitación afectiva e imaginaria de las políticas. En la RDA, esta dinámica se amplificó mediante la participación explícita de la literatura y las artes en los primeros intentos de reeducación socialista. Además, las concepciones de la RDA sobre el Estado y la ciudadanía estaban fuertemente imbricadas con su frontera, lo que la convertía en un escenario de muchas de sus continuas luchas identitarias. Al rastrear la negación de la complicidad de Alemania Oriental en el pasado nacionalsocialista en Kindheitsmuster (1976) de Christa Wolf y la subversión de la historiografía oficial en su posterior Cassandra (1983), proporciono ejemplos de trabajo crítico epistémico en materia de fronteras que desplazan al Estado como lugar central de la producción y el silenciamiento del conocimiento sobre y en torno a la frontera.

Las ficciones de Europa: colonialidad, fronteras y lo político en In the Belly of the Congo de Blaise Ndala

Mark Devenney — 2026-07-27

Este artículo examina In the Belly of the Congo de Blaise Ndala como una interrogación sostenida y una descolonización de las ficciones políticas que otorgan legitimidad a la Unión Europea contemporánea. Ndala cuestiona las narrativas dominantes de Europa como un espacio delimitado, coherente y como el lugar privilegiado de una herencia democrática universal. Situada entre Bruselas y Kinshasa entre 1958 y 2003, la novela reconstruye las pervivencias coloniales inscritas en la arquitectura simbólica de la Expo 58 y del Atomium de Bruselas. En esta novela, el Congo aparece situado en el centro de Europa y, posiblemente, del mundo. El artículo desarrolla tres argumentos relacionados. En primer lugar, demuestra cómo Ndala resitúa a Europa dentro de las historias persistentes del imperio, el extractivismo y la economía política eurafricana que configuraron la Comunidad Económica Europea. En segundo lugar, sostiene que la novela provincializa las concepciones europeas de “lo político” al destacar temporalidades alternativas, memoria ancestral, acecho espectral y herencia matrilineal. Estos elementos exceden las narrativas seculares de soberanía, ciudadanía y progreso histórico. En tercer lugar, el artículo analiza cómo la novela reimagina la reparación y la restitución, no como un cierre judicial o una disculpa simbólica, sino como una confrontación continua con las estructuras coloniales que siguen organizando la migración, las fronteras y la pertenencia política en el presente. La narrativa espectral de In the Belly of the Congo presenta a Europa como una ficción política precaria sostenida mediante actos de negación histórica. La novela cuestiona tanto la autocomprensión universalista de Europa como la ficción territorial del Estado congoleño poscolonial, recuperando historias políticas interrumpidas y formas alternativas de vida colectiva.

Animalidad como frontera: humanos, colonialidad y el poder zoopolítico

Luke Edmeads — 2026-07-27

Este artículo interroga la división entre humano y animal como una frontera fundacional en el pensamiento político occidental, revelando su papel en la consolidación de la soberanía colonial y la subjetividad. Basándose en la teoría crítica y en estudios decoloniales, sostiene que la categoría de lo humano no es un dato ontológico, sino una construcción producida mediante exclusiones violentas, especialmente de vidas racializadas, colonizadas y migrantes que son animalizadas. El concepto de poder zoopolítico, tal como lo articulan Derrida y Vaughan-Williams, concibe la frontera como una máquina de traducción que disciplina la alteridad en formas legibles para la gobernanza. A través de análisis literarios de Kafka y Armfield, el artículo explora cómo la subjetividad se disuelve en el umbral imaginado de lo humano, exponiendo la inestabilidad de dicha frontera. En lugar de abogar por la inclusión, destaca la violencia epistémica de la traducción maquínica y la ficcionalidad de la coherencia humana. Finalmente, propone una crítica a las políticas de fronterización que configuran la vida contemporánea.

Topografías del sujeto. Posturas paratópicas de la experiencia psiquiátrica en la literatura en primera persona

Sara R. Gallardo — 2026-07-27

This article analyzes four examples of first-person literature by psychiatrized authors (Down Below by Leonora Carrington, Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus by Christine Lavant, L’altra verità by Alda Merini, and Girl, Interrupted by Susanna Kaysen) with the aim of examining the intersections between authorial stances and narrative content through the concept of paratopia (Maingueneau). A re-categorization of this concept is developed into two dimensions—spatial-discursive and enunciative—in order to address the boundaries that define subaltern subjectivity. Drawing on the methodology of Mad Studies, it is shown how these authors, repeatedly, and from decentered positions, cross the concentric outsides that define them in a totalizing way. Their works are thus (re)configured as corpotextualities that reappropriate and re-subjectivize the asylum experience. Finally, this article proposes a diasporic critique of mad literature, dissident from the psychiatric discipline, that attributes literary value to texts both “from within” and “from outside” their madness.

Lenguas, fronteras y ansiedad: el lenguaje como extensión del servicio de control de inmigración y aduanas de los Estados Unidos (ICE) en el poema heterolingüe “Borderbus”, de Juan Felipe Herrera

Natasha Kennedy — 2026-07-27

“Borderbus” (2015), de Juan Felipe Herrera, transcurre en un autobús entre la frontera entre México y Estados Unidos. Se trata de una conversación en voz baja entre dos mujeres que son llevadas a un centro de detención. El poema heterolingüe alterna entre inglés y español, a veces recurriendo a la traducción, pero no siempre, para plasmar los pensamientos y temores de las mujeres sobre su estancia en el autobús, enfatizando la importancia del inglés. El tono del poema transmite ansiedad ante el evidente peligro de la situación; el inglés se convierte en un requisito. A través de una lectura atenta del poema, presentaré las maneras en que destaca y critica las políticas fronterizas de diversas maneras, y cómo el inglés se convierte en una extensión del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de Estados Unidos (ICE). La literatura heterolingüe juega con las fronteras entre las lenguas, subvirtiéndolas y desfamiliarizando nuestras expectativas sobre la lengua y la literatura. Pero este poema también reproduce la naturaleza física y política de las fronteras geográficas. Aquí hay un contraste entre la libre circulación de cuerpos y la creatividad lingüística y las restricciones reales que surgen de las políticas de inmigración. Diez años después de la publicación original del poema, este artículo reevaluará la relevancia que tiene “Borderbus” en el clima político actual.

Una poética transfronteriza de la autotraducción a partir del poemario En las ciudades / Nas cidades / Hirietan, de Beatriz Chivite

Martín Azcárate Muez — 2026-07-27

En la actualidad, la fluidificación de las fronteras lingüístico-culturales propicia las experiencias pluriculturales y fomenta el desarrollo de identidades mestizas. También la poeta navarra Beatriz Chivite ha navegado un mundo plurilingüe y pluricultural, y ha dejado constancia de tal experiencia en sus textos. En este artículo, examinamos la interrelación que existe entre la autotraducción y la frontera lingüístico-cultural en el poemario trilingüe de Beatriz Chivite titulado En las ciudades / Nas cidades / Hirietan. A través de un macroanálisis traductológico y un microanálisis poético, argumentaremos que tanto el continente como el contenido del poemario cuestionan las fronteras lingüístico-culturales rígidas e inamovibles. La obra propone, en cambio, una pluriculturalidad fundamentada en la comprensión de las problemáticas humanas universales. Tal pluriculturalidad no es, con todo, ajena a la idiosincrasia de cada cultura, sino que trata de preservarla y valorarla. Finalmente, proyectaremos una poética que cuestione las fronteras lingüístico-culturales rígidas y presuntamente puras, pero que no por ello derive en una hiperculturalidad en la que la identidad propia se fusione por completo con la ajena o en un porsiemprismo en el que el presente sea prácticamente indistinguible del pasado.

De la migración a la metáfora: la poética de la frontera en Señales que precederán al fin del mundo de Yuri Herrera

Shubert Silveira — 2026-07-27

Este artículo analiza la novela Señales que precederán al fin del mundo de Yuri Herrera como una forma de reimaginar la experiencia migratoria desde una poética de la autonomía literaria. En lugar de adoptar estrategias documentales, realistas o testimoniales, la novela elabora una mitología simbólica del cruce de fronteras mediante el uso de neologismos, ambigüedad y condensación formal. A través de un diálogo con las teorías de Josefina Ludmer y Víktor Shklovski, se argumenta que la obra de Herrera propone un lenguaje literario que desautomatiza el discurso dominante sobre la migración y ofrece una estética de la transformación subjetiva.

Frontera, resto y desecho: Vollmann y Bolaño ante la necropolítica del capital global

René Araya Alarcón — 2026-07-27

Este artículo propone una lectura comparada de Imperial (2009) de William T. Vollmann y “La parte de los crímenes” de 2666 (2004) de Roberto Bolaño, para pensar la frontera México–Estados Unidos como infraestructura epistémica y material del capitalismo global. A partir de la noción de “frontera como método” (Mezzadra y Neilson), se sostiene que ambas obras no solo tematizan lo fronterizo, sino que lo producen formalmente: Vollmann mediante una acumulación documental que construye un archivo disonante del daño; Bolaño mediante la repetición serial de crímenes y expedientes que expone el fracaso burocrático de la justicia. El análisis articula necropolítica (Mbembe) y acumulación por desposesión (Harvey) para mostrar cómo el dispositivo fronterizo fabrica vidas desechables y restos administrables, volviendo legible la continuidad estructural entre economía, violencia e impunidad. Así, la estética del exceso opera como método crítico y contraarchivo.

Secta. Escuela de técnica dramática

Óscar Córnago — 2026-07-27

Secta. Escuela de técnica dramática de Claudia Castellucci es un libro singular que recupera la experiencia de la Scuola teatrica della discesa (1989-1999) como un manual práctico abierto a nuevas aplicaciones. Más que un tratado de teatro, propone una filosofía del aprendizaje basada en la experiencia, el tiempo, la técnica y la transformación personal. La obra combina ejercicios, reflexiones y materiales organizados para favorecer un uso lento, reflexivo y no lineal. La Escuela entiende el teatro como un espacio de investigación donde teoría y práctica se entrelazan y donde el desaprendizaje, la incertidumbre y la disciplina adquieren un valor central. La técnica no busca la destreza, sino el desarrollo de una conciencia que trasciende el yo individual. El libro reivindica una pedagogía fundada en la utilidad y la belleza, concebidas como formas inseparables de conocimiento y de vida.

Zenobia Camprubí y las redes transnacionales de colaboración femenina

Sandra González Basanta — 2026-07-27

Zenobia & Co. Escritoras, artistas e intelectuales en la órbita de Zenobia Camprubí, coordinado por M.ª Luz Bort Caballero, explora una dimensión poco estudiada de la trayectoria de Zenobia Camprubí Aymar: las redes de amistad, colaboración e intercambio cultural que mantuvo con otras creadoras de su tiempo. A partir de aproximaciones literarias, biográficas, culturales y de género, el volumen ofrece un retrato múltiple y matizado de la intelectual, destacando su papel central en la vida artística hispánica, más allá de su vinculación con Juan Ramón Jiménez. El análisis de la contribución femenina al desarrollo de las artes y el pensamiento durante la Edad de Plata y el exilio republicano subraya, además, la influencia decisiva de las mujeres como agentes de producción y transformación en el siglo XX. Desde esta perspectiva coral, Zenobia & Co. se consolida como una obra de referencia para los estudios sobre mujeres, cultura y creación literaria, y amplía de manera significativa la comprensión de la historia española contemporánea.

La producción de las subjetividades y los agenciamientos en Félix Guattari

Eduardo Torres Morán — 2026-07-27

Los Seminarios II de Félix Guattari buscan dar a entender la terminología del autor francés, así como el marco general de la teoría general de los agenciamientos con el fin de indagar en, por un lado, el estallido de la subjetividad y de la alteridad, y, por otro lado, a reactualizar el psicoanálisis freudiano y lacaniano. A lo largo de los diferentes encuentros Guattari trata de ejemplificar y clarificar su concepción del inconsciente y de la teoría general de los agenciamientos. Además, las intervenciones del público ayudan a esta tarea y obligan al autor a dar ejemplos de toda índole, desde películas, piezas de música, literatura hasta referencias a otros filósofos como Sartre. En pocas palabras, este texto de Guattari es fundamental, junto a Seminarios I, para adentrarse en la obra del autor francés, así como en su terminología y en la teoría general de los agenciamientos.

El abismo teórico teatral y sus soluciones en el siglo XXI

Diana González Martín — 2026-07-27

A modo de introducción al número monográfico de Theory Now titulado “La teoría teatral después de lo post. Desafíos, dudas, utopías y contestaciones”, se realiza un repaso sobre los retos a los que se enfrenta la Teoría Teatral en el siglo XXI ante la presión conceptual de la filosofía decolonial, queer, feminista y posmarxista, y, en lo específicamente teórico-teatral, ante la evolución de las reflexiones abiertas a principios del siglo XXI por Hans-Thies Lehmann y Erika Fischer-Lichte. Partiendo de una entrevista realizada a la teórica de la performance Diana Taylor, se establecen diversos ámbitos de reflexión e investigación propuestos a la teoría teatral actual por parte de los distintos autores particpantes en el monográfico.

Artes vivas, experimentalidad y genealogía

José A. Sánchez — 2026-07-27

Este texto propone un marco teórico para acompañar una serie de haceres que, desde diferentes medios (teatro, danza, cine, escritura y artes visuales), expanden los límites disciplinares para encontrar un campo de trabajo común en la corporalidad y en lo vivo. Se proponen tres ejes argumentales. En primer lugar, una aproximación a la idea de artes vivas desde un posicionamiento ético; la prioridad de la vida como valor invita a retomar la idea de arte como experiencia, de la que emergen los otros dos ejes. Respecto al presente, el énfasis en la experiencia permite reconocer la experimentalidad como una tensión consustancial a toda práctica artística. Respecto al pasado, descarta cualquier pretensión de historia comprehensiva y anima a priorizar el método de la genealogía, con atención a las vidas pasadas, con sus singularidades y accidentes, y a cómo el pasado persiste en la vida presente, también en la vida del arte. En la última sección se aportan algunas referencias concretas que hacen visible el cruce de experimentalidad y genealogía en el ámbito de las artes vivas.

Interculturalidad y teatro: una relación fructífera para la convivencia en nuestras sociedades

Diana González Martín — 2026-07-27

En este artículo abordo la relación entre interculturalidad y teatro, no exenta de polémica desde la aparición del término “teatro intercultural” entre finales de los setenta y principios de los ochenta. Si bien el término ha sido criticado por teóricos como Erika Fischer-Lichte y Hans-Thies Lehmann, por designar un teatro que sostiene la preeminencia de la visión occidental y no promueve un intercambio equitativo entre culturas fomentando la mirada colonial, expongo otras acepciones de “teatro intercultural” que enriquecen el debate teórico. La relación entre teatro e interculturalidad necesita continuar siendo explorada, ya que está muy presente en prácticas de teatro aplicado provenientes de América Latina, a menudo soslayadas por la literatura académica, que todavía sigue muy centrada en la tradición anglosajona. Propongo así una indagación en la noción de “interculturalidad crítica”, de Catherine Walsh, desde las prácticas de teatro aplicado y su potencial para la transformación de la convivencia en nuestras sociedades.

El resurgimiento de lo político en el teatro del siglo XXI

Inmaculada López Silva — 2026-07-27

A finales del siglo XX, la teoría teatral parecía haber agotado sus propuestas políticas ante el peso de las tesis brechtianas, todavía vigentes, y, sobre todo, ante la corriente posdramática, aparentemente formalista, preocupada de manera explícita por su propio enfrentamiento con el teatro aristotélico mediante el cuestionamiento de la noción de argumento, fundamental en la conformación de una teoría sobre la conexión entre teatro y realidad, entendiendo esta última como el espacio de lo político. Sin embargo, el giro ultraconservador del primer tercio del siglo XXI, además de la fuerte irrupción del movimiento ecologista y la cuarta ola del feminismo, han vuelto a poner sobre la mesa la necesidad de una respuesta teórica a los nuevos modos de implicación política de este teatro aparentemente atrapado en su complejidad discursiva. A partir de tesis posmarxistas y de una aplicación de la teoría del afecto, el artículo explora la posibilidad de reformular la noción de utopía a partir del vínculo que la mímesis escénica propone a un público que se reactiva políticamente gracias al teatro.

Cronopolíticas queer: teatralidades del tiempo disidente

Belén Tortosa Pujante — 2026-07-27

Este artículo explora cómo las artes escénicas contemporáneas están produciendo formas temporales que desestabilizan los regímenes cronológicos dominantes. A partir del pensamiento queer —en particular, las nociones de crononormatividad (Freeman), utopía queer (Muñoz), fracaso temporal (Halberstam) y temporalidad negativa (Edelman)—, se propone leer una serie de prácticas escénicas que interrumpen la linealidad narrativa, la lógica del progreso, la coherencia evolutiva del personaje y la clausura dramatúrgica. Estas disrupciones no se entienden como meros recursos formales, sino como intervenciones políticas y afectivas sobre el tiempo: como una cronopolítica teatral queer. En lugar de representar identidades disidentes, estas obras encarnan formas alternativas de habitar el tiempo —de esperar, detenerse, colapsar o desviarse— que desafían la productividad escénica y vital, y ensayan modos de existencia fuera del mandato de avanzar.

WHAT THE EGG!? —o: la alegoría de la playa. The Hum de Susie Wang como escenografía teórica teatral

André Eiermann — 2026-07-27

El artículo describe The Hum, la primera obra del grupo teatral noruego Susie Wang de 2017, como un escenario teórico teatral. Muestra que esta obra escenifica una inversión de la alegoría de la caverna de Platón en forma de una alegoría de la playa, cuyo panorama abarca no solo referencias a teorías del teatro dramático y posdramático, sino también al teatro predramático y posespectacular, y analiza el uso que hace el grupo del término teatro neodramático. Muestra que establecer tales referencias mediante la inversión es un rasgo característico del teatro de Susie Wang en general, y que estas inversiones desafían particularmente las estructuras patriarcales. Además de las referencias teóricas, el artículo también ofrece una visión de las múltiples referencias históricas teatrales que se pueden descubrir en el teatro de Susie Wang, centrándose en las relacionadas con la historia (y prehistoria) del teatro español en lo que respecta a su contexto de publicación. Además, el artículo analiza otras dos obras de Susie Wang y sus conexiones con The Hum: Licht und Liebe, de 2020, y The Look, de 2024.

Primero atender, después escribir. Experiencias performativas en las escrituras alterográficas latinoamericanas

Julieta Yelin — 2026-07-27

En las últimas dos décadas asistimos a una expansión de los géneros autorreferenciales, unida a una renovación de la discusión en torno de ellos; en el universo crítico argentino, por ejemplo, tomó relevancia la noción de “giro autobiográfico” propuesta por Alberto Giordano. De modo simultáneo, como complemento o respuesta, e incluso en ocasiones como forma de despliegue desviado de lo íntimo, otra inclinación fue adquiriendo nuevas formas y gestando un corpus propio: la llamaré aquí pulsión alterográfica. En diálogo con el horizonte de reflexión filosófica contemporánea acerca de, por un lado, la alteridad, y, por otro, lo comunitario, esta pulsión se materializa en el renacimiento de los géneros biográficos, en el interés por la inclusión narrativa de vidas no humanas, así como también en una serie de experiencias de escritura colaborativa en las que cobra especial relevancia el componente performático. Me propongo aquí reflexionar sobre el potencial teórico y crítico de la noción de alterografías, partiendo de la premisa de que, aunque estas comparten con la producción autobiográfica el interés por el relato de vida, son movidas por una curiosidad por los mundos ajenos que implica un posicionamiento ético y político diverso. Por otro lado, estas escrituras implican un conjunto de decisiones técnicas y procedimentales que ponen en tensión algunas convenciones nodales de la institución literaria.

Lenguajes miceliales: retóricas de la resistencia escénica en el campo teatral de Buenos Aires

Carla Pessolano — 2026-07-27

Este trabajo propone una lectura del margen como zona de potencia para pensar los modos en que el lenguaje escénico configura su decir y su pensar. Se aborda la escena teatral de Buenos Aires como un campo micelial: una red subterránea y densa, que se expande por contagio. Desde esta perspectiva, los discursos de resistencia de creadoras y creadores se orientan a inventar realidades imaginarias, a nombrar lo innombrable y a sostener fenómenos escénicos que solo pueden existir en los bordes. Aparecen allí, en esas zonas marginales, ciertas articulaciones teóricas que podrían, eventualmente, plantear otros mundos posibles, o habitar nuevas preguntas. O, incluso, mirar de nuevas maneras los mundos que ya conocemos. Los cuerpos de actuación condensan y transmiten estos saberes en forma de palabras, asegurando la supervivencia invisible de un pensamiento fértil que, aunque no siempre se vea, sostiene la vitalidad de una escena singular.

Cuerpo | Anima. Marina Abramović y Teresa de Ávila

Mae Bengert — 2026-07-27

El artículo propone una lectura comparativa entre la obra performática de Marina Abramović y la mística teresiana, articulando un eje cuerpo–alma que se despliega en clave de espiritualidad postsecular. En primer lugar, se muestra cómo, en performances como The Kitchen. Homage to Saint Therese y The Artist Is Present, la artista recurre a la inmovilidad, la repetición, el ayuno, la espera y la exposición del propio cuerpo al dolor y al agotamiento como prácticas de kénosis orientadas a producir estados de presencia pura y de vaciamiento del yo. Estas dinámicas recuerdan la ascesis cotidiana de Teresa de Jesús, quien concibe el cuerpo como umbral hacia el “castillo interior” y espacio de mediación entre inmanencia y trascendencia. El texto subraya que Abramović no imita la mística cristiana, sino que reconfigura motivos teresianos —la levitación, la experiencia extática, la unión amorosa, la tensión entre hambre corporal y deseo de Dios— en un contexto artístico contemporáneo desinstitucionalizado, en el que la performance no solo transforma a la artista, sino también al espectador, convertido en participante mediante la mirada, la espera compartida y la copresencia silenciosa. De este modo, la escena performativa se configura como laboratorio de nuevas formas de comunidad y de experiencia espiritual en la cultura visual tardomoderna.

Puesta en cuerpo de lo político: testimonio y espacio performativo en Metamorfé, más allá de la forma anterior

Lorena Saavedra — 2026-07-27

El presente artículo se propone examinar la noción de lo político en las artes escénicas contemporáneas en Chile a partir del análisis de la performance multidisciplinar Metamorfé, más allá de la forma anterior (2015). El objetivo es dar cuenta de un desplazamiento en los modos de abordar la contingencia política-social en las prácticas artísticas, aspecto que se manifiesta en el tránsito desde la mera tematización de lo político hacia su incorporación en los procedimientos escénicos, por ende, en las propias estéticas de la creación. En este sentido, Metamorfé es un ejemplo, puesto que evidencia dicho desplazamiento a través del trabajo de la actriz-performer mediante el uso del testimonio y la espacialidad. Este vínculo potencia y co-crea una nueva configuración política al problematizar cuestiones emergentes en el marco de los nuevos movimientos sociales, particularmente, los feminismos. A partir de esta perspectiva, el articulo analiza la noción de puesta en cuerpo (embodiment) y su articulación con el espacio performativo, proponiendo que ambos constituyen un modo otro de producción de sentido que complejiza y resignifica problemáticas actuales. Dicho abordaje no solo genera instancias de reflexión crítica, sino que además pone en evidencia el giro performativo que atraviesan las artes escénicas contemporáneas.

Teatralidad y performatividad en la obra de Alberto Cortés

Markel Hernández Pérez — 2026-07-27

A través de una perspectiva multidisciplinar que aúna la filosofía del teatro o la teatrología y la semiótica teatral, se estudia la liminalidad entre la teatralidad y la performatividad de la obra del creador escénico Alberto Cortés. Gracias a su propia estética y su continuidad temática y poética, se ha consolidado como una de las principales figuras de las artes escénicas de España. El estudio analizará tres obras recientes: El ardor (2021), One night at the golden bar (2022) y Analphabet (2024); y atravesará los siguientes ejes: lo queer, la palabra, el cuerpo, el papel del espectador y la ritualidad del acontecimiento escénico. Así, este texto suplirá el vacío de estudio académico en torno a Cortés.

La performance y la resistencia: el teatro como género de performance, y no al revés. Entrevista con Diana Taylor

Diana González Martín — 2026-07-27

Diana Taylor es profesora de Estudios de Performance y Español en la New York University (NYU), además de fundadora del Instituto de Estudios Hemisféricos para Performance y Política. Autora de libros imprescindibles como Performance, Theatre of Crisis o ¡Presente!, Taylor ha sido galardonada con múltiples premios y becas que han reconocido su trayectoria y compromiso artístico y político. En esta entrevista, reflexiona para Theory Now sobre las implicaciones de una teoría de la performance que trate de trascender la tradicional teoría del teatro para romper con su eurocentrismo patriarcal. Asumiendo las implicaciones transformadoras de la teoría decolonial y de la teoría feminista, Taylor nos propone una visión amplia de la teatralidad para ir mucho más allá del concepto “teatro”, que exige la asunción de un espacio teatral en el que se ha de “estar”, para asumir lo performativo como una forma de intervención política (en sentido clásico) desde el arte, la relación interpersonal y la toma de la esfera pública por parte de la ciudadanía.